S5 MP3 Player - плагин joomla Mp3

   Музыка барокко наследовала от эпохи Ренессанса приемы полифонии и контрапункта. Но они были переосмыслены – если в музыке Ренессанса в движении полифонии как будто случайно появлялись консонансы, то в музыке барокко они стали важнейшим принципом построения музыкальной ткани. Консонансы строились с помощью аккордов, в их движении появились функциональные зависимости, полифония начала трансформироваться в гомофонию. В эпоху Ренессанса функциональное движение, в основном, осуществлялось по терциям, а в эпоху барокко начали использовать смещения тоники на кварты и квинты, что способствовало формированию функциональной гармонии классического типа. В барочной музыке использовались более протяженные мелодии и более строгий ритм, в качестве аккомпанемент широко использовался basso continuo.

Ж.Б. Люлли - Балетная музыка для струнных и basso-continuo.

   Около 1600 года начало формироваться определение тональности, начала развиваться теория равномерно-темперированного строя (деление октавы на 12 равных интервалов). Но у этой теории было много оппонентов. По мнению многих теоретиков того времени аккорды теряли свое индивидуальное акустическое звучание, трезвучия становились однообразными и слишком симметричными. Идея создания равномерного строя возникала у многих ученых того времени – Генрих Грамматеус (1518), Винченцо Галилей (1581), Симон Стивен (1585). Но теоретическое обоснование строя впервые дал китайский принц Чжу Цзайюй (朱載堉) в трактате 1584 года. Широкое распространение строй получил значительно позже. И только в 1722 появляется «Хорошо темперированный клавир» И. С. Баха (I том).

Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий и канцон Ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко. Монтеверди назвал этот новый, свободный стиль seconda pratica (вторая форма) в отличие от prima pratica (первой формы), характеризировавшей мотеты и другие формы хоровой и ансамблевой музыки таких мастеров Ренессанса, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Сам Монтеверди использовал оба стиля; его месса «In illo tempore» написана в старом, а его «Вечерня пресвятой девы» — в новом стиле.

Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и Ренессанса. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности, чем музыка Ренессанса. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так далее). Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов, и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка Ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Такие выразительные приёмы, как notes inegales (ноты, которые записаны с одинаковой длительностью, но исполняются по-разному) стали всеобщими, исполнялись большинством музыкантов, часто с большой свободой применения.

Жанры вокальной музыки эпохи барокко

В эпоху барокко стремительно развиваются новые музыкальные жанры. В вокальной музыке появляются такие духовные жанры как:

   Именно в эпоху барокко в вокальной музыке зарождается опера – светский жанр, самый важный по своему художественному значению.

   Оратория (от лат. oratorium – помещения для моления членов конгрегации) – масштабное произведение для солистов, хора и оркестра (либо органа), которое создавалось преимущественно на библейские темы. Структура стандартной оратории состоит из следующих частей:

  • инструментальная увертюра, устанавливающая основные темы произведения;
  • арии солистов;
  • речитатив (как правило, используется для объяснения сюжета);
  • хоровые арии, восславляющие Бога (типичные инструменты, которые сопровождают эти арии - литавры и трубы).

   Жанр оратории появился в конгрегации ораторианцев Св. Филиппа Нери, основанной в Риме в конце XVI века. В специальном помещении для молитв, которое называлось oratorium, конгрегаты распевали лауды (Laudes spirituales, духовные песнопения наподобие мадригалов). Здесь и зародилась оратория, вперые этот термин упоминается в 1640 г. в музыкальной литературе. Первой ораторией считается произведение «Представление о душе и теле (Rappresentazione di anima et corpo)» Эмилио де Кавальери, написанное в 1600 г. в церкви Санта-Мария-ин-Валичелла в Риме. В отличие от более поздних ораторий она исполнялась на сцене с использованием декораций и костюмов. Произведение еще не имело устоявшейся структуры, его форма состояла из коротких сольных фраз с инструментальным сопровождением и хоровыми частями, более разнообразных, чем речитатив, но ещё недостаточно мелодично развитых. Форма оратории еще развивалась на протяжении полувека, тем не менее произведения, написанные в конгрегате ораторианцев Св. Филиппа Нери, тесно связывают с развитием этого жанра.

   Характерные особенности жанра оратории:

  • Сюжет на библейскую тему;
  • Отсутствие сценического действия, декораций, костюмов;
  • Драматизм, раскрытие темы в героике-эпическом плане;
  • Доминирующие хоровые арии;
  • Короткие речитативы на одной ноте и в быстром темпе;
  • Музыкальная форма оратории меньше формы оперы, но больше кантаты, может состоять из нескольких кантат (например, «Рождественская оратория» И.С. Баха).

   Жанр оратории считается промежуточным между оперой и кантатой. Подобно опере, оратория включает сольные арии, речитативы, ансамбли и хоры. Как и в опере, действие в оратории развивается на основе драматического сюжета, но в оратории преобладает повествование над драматическим действием, это не столько показ событий, сколько рассказ о них. Имея много общих черт с кантатой, оратория отличается от последней более крупным размером, большим масштабом развития и более отчётливо намеченным сюжетом.

   В развитие оратории внес большой вклад итальянский композитор Джакомо Кариссими (1604-1674), считающийся первым классиком жанра. Его произведения имели развитую форму, которая впоследствии и устоялась для жанра оратории: речитативы, арии, дуэты и терцеты, чередующиеся с одним или двумя хорами и инструментальные номера. Но свои сочинения Кариссими называл не ораториями, а историями. Они основывались на латинских текстах Священного писания, которые персонажи рассказывают от первого лица, а повествование ведется Рассказчиком (Historicus), диалоги исполнялись солистами порознь или вдвоем в форме канонического дуэта.  Дж. Кариссими полностью отказывается от сценического действия, уделяет много внимание хорам, которые в конце доводят произведения до апофеоза. Среди его ораторий наиболее знамениты "История Иеффая" (ок. 1650 г.), "Иона", «Суд Соломона», «Валтасар».

   Следующим итальянским мастером оратории был его ученик Алессандро Скарлатти (1659-1725), глава неаполитанской оперной школы. Он сблизил ораторию с оперой, применив форму арии da capo и речитатив secco . Среди ораторий А. Скарлатти главными были "Боль Девы Марии" (Il Dolore di Maria Vergine) и "Жертвоприношение Авраама" (Il Sacrificio d'Abramo).

 А. Скарлатти «Miserere» - вокально-инструментальное сочинение.

   Большой вклад в развитие оратории также внес итальянский композитор Алессандро Страделла (1639 – 1682). В этом жанре творил А. Вивальди.

А. Вивальди «Глория» I часть.

   Примерно в это время лидерство в развитие оратории перешло к Германии, где великий композитор и органист Генрих Шютц (1585-1672) подготовил почву своими композициями "Страсти" (Passion music) и другими работами в традициях итальянской оратории. Шютц является автором первой немецкой оратории в итальянском стиле "История о воскресении Иисуса Христа" (1623) и первой немецкой оперы "Дафна" (1627).

Г.Шютц «История Рождества». Интродукция.

   Кантата (от лат. cantare - петь)– вокально-инструментальное произведение для солистов, хора и оркестра. От оратории кантата отличается меньшей масштабностью формы, преобладает лирический характер (в оратории – драматический), сольные номера более отвлечены, не всегда являются рассказом от первого лица. Существуют кантаты как религиозного (духовного) содержания, так и светского (например, «Кофейная кантата» И.С. Баха).  Первые кантаты были светскими, а кантаты духовного содержания зародились в Германии, благодаря Э. Ноймайстеру, И.С. Баху, Г.Ф. Телеману.

  Структура кантаты, как правило, состоит из следующих частей:

  • Инструментальное вступление (увертюра, симфония, прелюдия);
  • Арии солистов;
  • Речитативы;
  • Хоровые арии.

   Структура, инструментальный и вокальный состав, отсутствие сценического действия сближают кантату с ораторией.

   Впервые термин «кантата» был употреблен в Италии в 1620 г. итальянским композитором А. Гранди в его работе "Cantate et Arie". Кантатами называли крупные вокальные произведения в противоположность сонатам - крупным инструментальным произведениям. Ранние кантаты представляли собой сольные вокальные пьесы со сквозным развитием (в противоположность ариям) на basso ostinato.  

Создание и развитие жанра кантаты связывают с именами Джакомо Кариссими, Алессандро Страделла, Алессандро Скарлатти, Джулио Каччини а также Ф. Кавалли, А. Чести, Дж. Легренци.

Дж. Каччини «Аве Мария».

Дж. Б. Перголези «Stabat mater» I часть.

   Кантаты итальянских мастеров состояли из нескольких арий da capo со вступительными речитативами. Кантаты мастеров неаполитанской школы (А. Скарлатти и др.), обычно, состоят из двух контрастных арий da capo, связанных речитативом на basso continue. Неаполитанские кантаты постепенно будут вытеснены ариями и операми.

  Страсти (также - пассионы, от лат. passio - страдание) – крупное вокально-инструментальное произведение, основанное на евангельских текстах и посвященное событиям Страстной недели. Музыкальный жанр пассионов складывался на протяжении многих столетий. Тематика пассионов основывалась на евангелистических текстах о последних днях жизни Христа. Название жанра говорит само за себя — страсти, то есть страдания, муки, телесная боль, душевная скорбь, тоска. Первоначально, в Средние века, соответствующие главы Евангелия в католической церкви читались на латыни в течение Страстной недели. С XIV века рассказ Евангелиста «распевался» тенором, басу поручались слова Иисуса, солистами выделялись реплики Иуды, Петра и Пилата. Поначалу для распевания текста использовались напевы григорианского хорала. Позднее музыку стали сочинять композиторы. Из католического богослужения традицию исполнения пассионов заимствовала немецкая протестантская церковь.

   Расцвет жанра приходится на эпоху Барокко. Благодаря влиянию ораториального стиля в пассионах появились арии солистов, речитативы, хоры, музыка для оркестра и органа. С развитием жанра связывают имя Генриха Шютца. Тексты страстей также развивались, кроме евангельского текста в пассионы подчас включались стихи современных поэтов, создавалось разработанное либретто. Часто менялось даже само название: вместо Страстей такие сочинения именовались «Смерть Иисуса», «За грехи мира распятый Иисус» и т. п. В этом жанре написаны Страсти Г. Ф. Генделя и Г. Ф. Телемана (автора 44 пассионов) и целого ряда более поздних композиторов; однако вершинными достижениями считаются Страсти И. С. Баха.

   Опера – это синтетический жанр, в едином театральном действии различные виды искусств: музыку, драматургию, хореографию (балет), изобразительное искусство (декорации, костюмы). Опера появилась под влиянием гуманистических идей Возрождения, благодаря интересу художников к античному искусству, древнегреческой трагедии. Первые опыты в жанре оперы были выразительными театральными монологами, сопровождаемыми скромным инструментальным аккомпанементом, где влияние пасторальных драм, мадригальных комедий, и другие театральные жанры способствовали кристаллизации барочного музыкального театра.

   Первая опера «Эвридика» была создана Я. Пери (в сотрудничестве с музыкантом Джулио Каччини и поэтом Оттавио Ринуччини), 6 октября в 1600 г. она была поставлена во флорентийском театре города Питти. Подробнее о развитии жанра оперы см. в статье «Появление и развитие оперного искусства в XVII веке».

Примеры оперы в стиле барокко:

Г. Пёрселл – опера «Дидона и Эней» (1686 г.), ария колдуньи и хор ведьм, II действие.

Г. Пёрселл – опера «Дидона и Эней», ария Дидоны, III действие.

К. Монтеверди «Коронация Поппеи»- дуэт Поппеи и Нерона.

К. Монтеверди «Коронация Поппеи»- ария прощания Сенеки с учениками.

   Помимо создания новых жанров, композиторы эпохи барокко переосмысливали жанры эпохи Ренессанса: мадригалы, духовные и светские арии.

Дж. Каччини - Мадригал «Amarilli».

А. Скарлатти Ария « Spesso vibra».

Г. Пёрселл – ария контр-тенора с хором «Come, уe Sons of Art away».

Г. Пёрселл – ария «Скажи мне что-нибудь, несчастный ангел» (сопрано).

Инструментальная музыка эпохи барокко

   Инструментальной музыкой в эпоху барокко увлекались все больше. Число рукописей инструментальных пьес в эпоху барокко превосходит количество произведений для вокального исполнения. Свидетельства современников говорят о том, что вокальные мадригалы и арии чаще исполнялись на инструментах, чем пелись.

   Впервые в эпоху барокко выкристаллизовываются чисто инструментальные жанры. Ранее в античную эпоху, в Средние века, в эпоху Возрождения первенство занимала вокальная музыка, и если ансамблевая музыка и существовала, то скорее имела танцевальный характер, и напоминала инструментальные переложения мадригалов, мотетов, полифоний без поэтического текста.  В Англии существовала практика исполнения вокальных пьес на виолах, которые часто присоединялись к вокальной группе. На некоторых нотных изданиях так и указывалось «Пригодно для голосов или для виол».

   Но появление светской камерной и ансамблевой музыки в эпоху Возрождения дало толчок для развития чисто инструментальных жанров в начале эпохи барокко:

Инструменты эпохи барокко и основоположники школ

   Основным музыкальным инструментом барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Он используется как сольный инструмент в церквях для исполнения произведений в таких жанрах как фантазия, ричеркара, канцона, токката и фуга, хоральная прелюдия (в протестантском богослужении). Появляются композиторы и мастера, показавшие миру красоту и величественность органной музыки, основоположники органной школы:

   Джироламо Фрескобальди (1583 - 1643) – итальянский композитор, основоположник итальянской органной и клавирной школы, наиболее известный представитель музыкального барокко, автор многочисленных нотных сборников для органа и клавесина (канцоны, фантазии, ричеркары, токкаты, каприччио, партиты, фуги).

   Иоганн Пахельбель (1653 - 1706) -  знаменитый немецкий композитор и органист эпохи барокко, творчество которого является одной из вершин южнонемецкой органной музыки. Он сочинил огромное количество светских и церковных произведений, а его вклад в развитие форм фуги и хоральной прелюдии делает его одним из крупнейших композиторов эпохи среднего барокко.

   Дитрих Букстехуде (1637 - 1707) - выдающийся немецкий композитор, органист, глава северонемецкой органной школы, крупнейший музыкальный авторитет своего времени. Воздействие Букстехуде-органиста и композитора испытали на себе практически все музыканты Германии конца XVII — начала XVIII в.

Д. Букстехуде – «Jubilate Domino» (скрипки, виолончель и виола да гамба и контр-тенор) – вокально-инструментальное сочинение.

   В эпоху барокко скрипка вытесняет семейство виол благодаря яркому и громкому звучанию. Главные отличия между ними относились к конструкции инструмента: виолы имели плоскую нижнюю деку, покатые плечи, резонаторные отверстия в форме буквы s (эсы), широкую шейку, лады на грифе и 6-7 тонких струн, в то время как для скрипок были характерны выпуклая нижняя дека, округленные плечи, отверстия в форме буквы f (эфы), узкая шейка, отсутствие ладов на грифе и 4 толстых струны. Барочная скрипка отличается от современной только смычком. Благодаря более мягкому волосу в смычке и жильным струнам звук барочной скрипки был четче (штрих нон-легато звучал более раздельно). В остальном барочная скрипка практически не отличается от современной. К 1700 году конструкция скрипки достигает совершенства в мастерских великих итальянских семейств Амати, Гварнери и Страдивари, и более не меняется. Смычок усовершенствуется лишь к 1785 французом Франсуа Туртом.  Основоположниками  итальянской скрипичной школы в эпоху барокко стали:

   Арканджелло Корелли (1653 – 1713) - великий итальянский скрипач и композитор, педагог и дирижер, основатель римской скрипичной школы. Его произведения для скрипки можно рассматривать как прекрасное руководство по исполнительскому мастерству.  Содействовал развитию жанра concerto grosso, оказал сильное влияние на музыку современников – Вивальди, Тартини, Куперена, Генделя, Телемана и Баха.

   Антонио Вивальди (1678–1741) - итальянский композитор, скрипач, дирижёр, педагог, основоположник наиболее ранней скрипичной школы - венецианской. Создал жанр сольного концерта с виртуозным соло для скрипки, способствовал развитию скрипичной школы, скрипичной техники. Развил циклическую форму concerto grosso, основываясь на достижениях А. Корелли, выделил 3 части и виртуозную партию солиста.

   В развитие скрипичной школы также внес свой вклад итальянский композитор и скрипач Джезеппе Тартини (1692 – 1770) – последователь и продолжатель школы Корелли. Кроме сочинительства и исполнения произведений для скрипки увлекался теорией музыки и внес ряд усовершенствований в конструкцию скрипки и смычка.

Среди инструментов широкое распространение получили также клавесин, щипковые и смычковые струнные (виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас), деревянные духовые инструменты (различные флейты, кларнет, гобой, фагот). В эпоху барокко функции распространенной в эпоху Ренессанса лютни были в значительной степени низведены до аккомпанемента basso continuo, и постепенно лютня была вытеснена клавишными инструментами. Колёсная лира, потерявшая в предыдущую эпоху Ренессанса свою популярность, получила второе рождение; вплоть до конца XVIII века колёсная лира оставалась модной игрушкой французских аристократов, увлекавшихся сельским бытом.

Инструментальные жанры эпохи барокко

   Сюита (с фр. Suite — «ряд», «последовательность», «чередование») представляет собой цикличное произведение, имеющее форму из 4-х обязательных частей (танцев) с дополнительными  вставками. В старинную сюиту XVII в. обязательно включались следующие части:

  1. Аллеманда (allemande) как танец известна с начала XVI века. Претерпев эволюцию, она продержалась в качестве основной части сюиты почти до конца XVIII века. Эта часть сюиты может быть полифонической;
  2. Куранта (сourante) — оживленный танец в трехдольном размере. Наибольшей популярности куранта достигла во второй половине XVII века во Франции;
  3. Сарабанда (sarabande) — очень медленный танец. Впоследствии сарабанду стали исполнять во время траурных церемоний, при торжественных погребениях. Танец скорбно-сосредоточенного характера и медленного движения. Трехдольная метрика имеет в нём склонность к удлинению второй доли;
  4. Жига (gigue) — самый быстрый старинный танец. Трехдольный размер жиги нередко переходит в триольность. Часто исполняется в фугированном, полифоническом стиле.

   В сюиту могут включаться дополнительные части, такие как менуэт, гавот, бурре, полонез, марш, чакона, ригодон и другие разновидности танца.

   Части, как правило, чередуются таким образом, чтобы сохранялась контрастность темпов и ритмических рисунков. Медленные части сменяются быстрыми. Одним из правилом построения сюиты также является сохранение общей тональности для всех частей. Последовательность основных 4-х танцев не должна нарушаться, при этом вставные части могут следовать одна за другой в любом порядке, могут дублироваться и повторяться, создавая внутри сюиты форму ABA.

  Например, строение «Французской сюиты № 6» И.С.Баха следующее: аллеманда, куранта, сарабанда, гавот, полонез, бурре, менуэт, жига. А форма «Английской сюиты № 3» И.С.Баха состоит из прелюдии, аллеманды, куранты, сарабанды, гавота I, гавота II, гавота I, жиги.

   Конце́рт (нем. Konzert от итал. concerto — гармония, согласие и от лат. concertare — состязаться) – произведение для солирующего инструмента (-ов) с оркестром. Жанр зародился в Италии в XVI – XVII веке в вокальной полифонической церковной музыке. Позднее в XVII веке концерт проникает в инструментальную музыку. На контрастном сопоставлении ("соревновании") оркестра (tutti) и солистов (solo, concertino) создаются первые образцы инструментального концерта. По мере развития жанра партия солирующего инструмента выходила на первый план. Если изначально солирующий инструмент выполнял связующие функции, то впоследствии партия солиста приобрела виртуозный характер. В аккомпанементе преобладала фактура гомофонного или полифонизированного склада, крайние части обычно писались в Allegro, а средняя часть - в ариозном стиле. И в первой половине XVIII веке форма инструментального концерта окончательно складывается в творчестве Антонио Вивальди: трехчастная композиция с двумя быстрыми крайними частями и средней медленной частью. Это была самая распространенная форма сольного концерта в первой половине XVIII века. В Германии форма концерта имела свои особенности: чередование частей было обратным – медленная-быстрая-медленная, а в качестве солирующих инструментов предпочтение отдавали духовым (гобой, флейта).

  Бывают следующие разновидности концертов:

  • Сольный концерт – концерт для одного солирующего инструмента (скрипка, гобой, флейта, клавесин и даже орган) с оркестром.
  • Концерт для оркестра (называемые ripieno или sinfonia) – концерт без солирующих инструментов, например, Бранденбургские концерты И.С. Баха, увертюры к опере.
  • Кончерто гроссо (итал. сoncerto grosso -  большой концерт) – концерт для группы солистов, основывающийся на чередовании и противопоставлении оркестра (т.н. ripieno) и солирующей группы (т.н. concertino). Первое произведение в жанре concerto grosso написал А. Страделла, которое называлось "Sinfonia..." (1676). Оно явилось образцом для аналогичных сочинений мастеров болонской и моденской школ. Первые совершенные образцы concerto grosso создал А. Корелли (ок. 1680). Concerto grosso возник на основе развития и расширения исполнительских рамок трио-сонаты.

А. Вивальди «Времена года», (Лето). Presto. Summer thunderstorm.

А. Вивальди - Концерт для 2-х скрипок и оркестра ля-мажор. I часть. Allegro.

А Корелли - Concerto grosso c- moll. Op. 3 (I часть).

Г. Ф. Телеманн - Концерт для трампета, струнных и Continuo in D-dur (Iчасть).

Марчелло – концерт для гобоя d-moll, Adagio.

Т. Альбинони - Concerto a cingue g-moll, 2 часть, Adagio.

   Трио-соната (итал. sonate per due stromenti e basso continuo, нем. triosonate, франц. sonate en trio) – инструментальный жанр XVII – XVIII века. Трио-сонаты, как правило, включали 3 партии (отсюда и название): две сольные партии в сопрановой тесситуре (для скрипок, флейт) и одну партию для баса (для виолончели, виолы да гамба, клавесина или органа, тромбона, фагота).  В трио-сонате часто по умолчанию использовался basso continuo или генерал-бас, который исполнялся на одном инструменте вместе с сольной партией (например, на клавесине). Фактура трио-сонаты могла быть как гомофонная, так и фигурированная – аккомпанирующие инструменты нередко играли виртуозные партии, вступали в контрапункт с солирующими инструментами.  Различают духовные сонаты (sonata da chiesa) и светские (sonata da camera).

   Жанр трио-сонаты появился в Северной Италии в начале XVII века, затем распространился по всей Европе. Истоки жанра лежат в вокальных произведениях позднего Возрождения – мадригалах, канцонах, ричеркарах. Расцвет трио-сонаты пришелся на период с 1625 по 1750год, затем жанр переродился в струнный квартет.

Г. Пёрселл – трио-соната f-moll, для 2-х скрипок и continuo.

   Фуга – один из основных полифонических жанров эпохи барокко, основанный на имитационном изложении основной темы. Термин «фуга» происходит от латинского и затем итальянского fuga, что значит — бег, бегство, погоня.

   Фуги писались по очень строгим правилам. Вся фуга строится вокруг короткой мелодии — темы. Диапазон темы обычно не превышает октавы. Так как тема не должна быть длинна, чтобы её можно было легко запомнить и узнавать в течение всей фуги; длинная тема возможна только в том случае, когда она имеет характер секвенции. Работа с темой осуществляется с помощью приемов:

  • Ответ – тема, исполняемая вторым голосом после основной темы. Если тема звучит в той же тональности, то это – т.н. реальный ответ. Ответ, в самом начале содержащий мелодические изменения, происходящие от того, что I ступени темы соответствует V ступень (тема исполняется в доминантовой тональности), а V ступени соответствует I ступень, называется тональным.
  • Противосложение – мелодия, исполняемая первым голосом после основной темы. Удержанным противосложением называется противосложение, которое каждый раз сопровождает и тему, и ответ. 
  • Ракоход – тема в обратном движении с сохранением интервалов.
  • Инверсия – тема в зеркальном обращении (в горизонтальном отношении).
  • Ракоходная инверсия – тема в обратном движении и зеркальном обращении.
  • Stretta - наложение следующей темы до окончания предыдущей. Характерным признаком возникновения стретты является очевидная для слуха краткость расстояния вступления, обусловливающая интенсивность имитирования, ускорение процесса наслоения полифонических голосов.
  • Канон – проведение темы со сдвигом во времени в разных голосах.

Пахельбель – канон.

   Форма фуги состоит из экспозиции, разработки и заключения (коды). Музыкальные эпизоды между основными частями называются интермедиями. Существуют двух-, трех-, четырех- (самые распростарненные) и пятиголосные фуги.

______________________________________________________

Источники:

  1. http://dictionary.sensagent.com/Музыка_эпохи_барокко/ru-ru/
  2. http://www.olofmp3.ru/index.php/Oratoriya.html
  3. http://www.belcanto.ru/oratoria.html
  4. https://ru.wikipedia.org/wiki/Оратория
  5. http://www.clasmusic.ru/index.php/Genrih-Shyutc.html
  6. http://www.belcanto.ru/or-bach-ioann.html
  7. https://ru.wikipedia.org/wiki/Страсти_(музыкальный_жанр)
  8. http://dictionary.sensagent.com/Музыка_эпохи_барокко/ru-ru/
  9. http://skripka.info/vopros/3579-V-chem-otlichie-skripki-ot-violy-Istoriya-strana/
  10. http://dictionary.sensagent.com/Пахельбель,_Иоганн/ru-ru/
  11. http://polina-borisova.name/violinists/
  12. http://blagaya.ru/skripka/violin_azbuka/skripichnye-shkoly/
  13. http://dictionary.sensagent.com/Фуга/ru-ru/
  14. http://www.belcanto.ru/concerto_grosso.html
  15. http://www.belcanto.ru/konzert.html